‘Title One, The Tasks of the community’

Oui, oui, Mariana, à bien vite pour ton anniversaire à la mexicaine, caramba! J’ai bien noté pour le 24. 

Pour l’heure je me trouve dans une ambiance enneigée mais chaleureuse à Vilnius, en Lituanie! C’est très dépaysant, le centre historique est préservé, et il y a beaucoup d’endroits à visiter qui témoignent des différents moments de l’histoire tourmentée de ce pays de l’est peu connu.

Je suis allée au Contemporary Art Centre où plusieurs artistes étaient exposés.

Une installation dans un grand espace quasiment vide pour laisser toute la place à un film projeté sur un mur et à quelques photos en boucle sur un autre mur, sur un reportage sur Tchernobyl, a retenu mon attention, et traitait de ce drame majeur du nucléaire dans un état tout proche d’ici dont on ne parle plus guère aujourd’hui, à travers une reconstitution minutieuse et fournie à partir de témoignages, dont ceux de reporters morts depuis, dont les films ont été censurés ou ont ‘disparu’. Un rappel à l’ordre du réel qui n’est pas sans rappeler les événements tragiques de Fukushima et les faits de censure qui touchent ceux qui cherchent à en parler.

« Rossella Biscotti is an italian artist based in Amstedam whose artistic oeuvre encompasses performances, videos, photographs and sculptures. Her work is based on a process of layered narratives that involve long periods of research on-site, interviews, and archival findings. In Biscotti’s art, the starting point of a work is always a social or political event that has been removed from the collective memory and she transpose in a subtle interplay within the present and contemporary society. »

L’art comme engagement politique, après Ai Weiwei et la Chine, Rossella Biscotti et son exposition en Lituanie: ‘Title One, The Tasks of the community’, a des choses à dire sur les conséquences de l’usage de l’énergie nucléaire, 26 ans après Tchernobyl. 

 http://www.cac.lt/en/exhibitions/current/5611

A bien vite à Paris.

Bises. 

Géraldine.

De l’art et de l’acte

L’entretien avec Jean-Pierre Raynaud paru dans La cause du désir n° 80, p. 118-130 (revue de l’ECF, nouvelle version) est une mine pour travailler cette question.

« C’est sur ce versant que j’attends les artistes, qu’ils prennent le risque d’aller jusqu’au bout, sans pour autant faire n’importe quoi, ni créer de confusion. L’art peut servir de détonateur et, du coup, la responsabilité de l’artiste est très importante. Il faut s’affranchir de la censure et prendre ses responsabilités, mais on ne peut pas, sous couvert d’art, faire n’importe quoi. Il faut à l’artiste une ligne claire, une intégrité, une éthique. (…). C’est là que se pose la question du but d’une œuvre d’art. On ne le sait pas très bien, on ne sait pas à quoi ça sert ni ce que c’est. La Maison a eu un statut artistique parce qu’on ne lui en a pas trouvé d’autre, et je l’ai assumé comme tel, sachant que ce n’était pas un objet d’art comme les autres. Du reste, je lui ai fait subir un autre destin que de terminer dans un musée comme les momies égyptiennes. » (p. 128-129).

On sait que, cette Maison, après avoir consacré vingt-cinq années de sa vie à la métamorphoser, Jean-Pierre Raynaud l’a détruite lui-même :

« A moi, la beauté ne fait pas peur. Je me dis au contraire que plus la chose sera belle, plus sa disparition sera intéressante, puisque c’est de la disparition de la beauté elle-même qu’il s’agit alors. Plus la chose est parfaite et plus j’ai de jouissance à sa disparition…  » (p. 124).

De l’art et de la fin de l’analyse

Dans le fil de ce que vous disiez à ce propos, je ne peux résister à y aller d’une petite citation de Lacan :

« Disons pourtant la fin de l’analyse du tore névrotique.

[…]

De tout cela il (l’analysant) saura se faire une conduite. Il y en a plus d’une, même des tas, à convenir aux trois dit-mensions de l’impossible : telles qu’elles se déploient dans le sexe, dans le sens, et dans la signification.

S’il est sensible au beau, à quoi rien ne l’oblige, il le situera de l’entre-deux-morts, et si quelqu’une de ces vérités lui parest bonne à faire entendre, ce n’est qu’au mi-dire du tour simple qu’il se fiera. » (« L’étourdit », Autres écrits, p. 487-488.)

Ce qui me renvoie encore à quelques citations de Jean-Pierre Raynaud : 

« ça ne m’a jamais plu de vivre. C’est comme ça. Dans la création, c’est autre chose. La création, pour moi, c’est une ivresse. Quand je remue des mètres cubes de terre, je ne pense à rien. (« L’intime et la matière ». Entretien avec Jean Pierre Raynaud », Revue La cause du désir, n° 80, p. 122.)

« A moi, la beauté ne fait pas peur. Je me dis au contraire que plus la chose sera belle et plus sa disparition sera intéressante, puisque c’est de la disparition de la beauté elle-même qu’il s’agit alors. (…) Je ne fais pas disparaître les choses parce que j’en ai assez, je les fais disparaître pour les protéger de la décrépitude. Un autre raccourci, contrasté, est celui de la vie : naître pour mourir. Il n’y a que le début et la fin qui peuvent être intéressants. » (op.cit., p. 124). 

« L’art est d’abord un moyen de sauver ma peau. » (op. cit., p. 125.)

« L’ASSIETTE TUEE » – Pensée maya

Il existait une croyance selon laquelle les objets ayant appartenu à ceux qui gouvernent avaient le pouvoir d’absorber l’énergie. Ce pouvoir s’accroissait avec le temps et devenait tellement important que l’on devait « tuer » l’objet afin d’empêcher quiconque n’étant pas son propriétaire attitré d’en faire usage. Ce rituel de « mise à mort » consistait à mutiler les visages des sculptures et de perforer la céramique. Il est donc probable qu’avant d’intégrer ces objets au mobilier funéraire, on en retirait l’énergie pour les transformer en artefacts inertes.

J’ai trouvé cette croyance extraordinaire, surtout que des objets devenaient sans son propriétaire des « artefacts inertes » !? Ils l’étaient pas avant?

La relation que nous avons aux objets est ici déjà mise en question, et les croyances primitives que se trouvent encore être d’actualité chez certains sujets fragiles ou chez l’enfant, relève bien de cela. 

 Tuer un objet, je n’avais jamais pensé à cette possibilité ! Caramba !

 Lunita

Les Masques de jade mayas
À la Pinacothèque de Paris, du 26 janvier au 10 juin

D’autres images de l’exposition MASQUES MAYAS EN JADE

Le dignitaire maya dessiné porte la parure avec laquelle il était préparé pour son voyage vers l’au-delà.

Dans chacun de ses membres, il portait une petite coquille ronde en jade symbole des 4 coins cardinaux et des 4 mondes. Le centre du corps était l’arbre qui garde l’unité et le lien de tous les éléments sacrés.  Il portait des bracelets à 8 rangées de perles en jade, symboles de son rang, et un collier à 9 rangées symbole de sa divinité.

Émouvant et magnifique ! Les artistes de cette époque là étaient maîtres du détail et leur technique inestimable et riche. Garder ce que l’œil voit, même au-delà de la mort.

Les masques funéraires ne servaient pas à « masquer » mais était une vaine tentative de figer la réalité du visage du dignitaire en vie, de son vivant.

D’ailleurs les miroirs aussi étaient considérés comme des moyens de passage et connexion avec l’autre monde, ils reflétaient « le visible mais inaccessible ».

Voilà quelques échos d’une culture qui est aussi la mienne, mais que je ne connais pas comme je devrais.

Gamine, je voulais aussi être anthropologue… un jour peut-être… 

Lunita mexicaine

Les Masques de jade mayas
À la Pinacothèque de Paris, du 26 janvier au 10 juin

RE: De l’art et de la fin de l’analyse

Chère Dominique,

« Disons pourtant la fin de l’analyse du tore névrotique.

[…]

De tout cela il (l’analysant) saura se faire une conduite. Il y en a plus d’une, même des tas, à convenir aux trois dit-mensions de l’impossible : telles qu’elles se déploient dans le sexe, dans le sens, et dans la signification.

S’il est sensible au beau, à quoi rien ne l’oblige, il le situera de l’entre-deux-morts, et si quelqu’une de ces vérités lui parest bonne à faire entendre, ce n’est qu’au mi-dire du tour simple qu’il se fiera. » (« L’étourdit », Autres écrits, p. 487-488.)

C’est tout de même curieux cette idée de Lacan sur la fin de l’analyse, la sensibilité au beau et l’entre-deux-morts… Je n’y comprends pas grand-chose. Est-ce du beau qu’il dit que l’analysant le « situera de l’entre-deux-morts » ? Ah, il faut que je relise ce texte de l’Etourdit, de même que ce que Lacan peut dire ailleurs de l’entre-deux-morts.

Si je te comprends bien, le rapport que tu fais à JP Raynaud se situe là : « Un autre raccourci, contrasté, est celui de la vie : naître pour mourir. Il n’y a que le début et la fin qui peuvent être intéressants » ?

Mais, s’agit-il d’une position de fin d’analyse ? (est-ce que ça ne ferait pas plutôt un bon (mais dur) début… 😉 ) Je trouve tellement tristes ces propos de Raynaud. Détruire pour ne pas connaître « la décrépitude » ! L’art certainement le sauve, ainsi qu’il le dit, de même que son idée de la beauté ; cependant ne serait-ce pas par trop restrictif que de situer le beau comme ce qui échappe à la décrépitude ? Et l’entre-deux-morts lacanien se situe-t-il de l’entre « naissance et mort » (faisant équivaloir la naissance à la mort), dans ce « naître pour mourir » qu’il dit ?

Nous serions une fois de plus ramenés à la lecture d’Antigone !. Ainsi qu’à une lecture de la beauté renvoyée aux classiques ! Quand je m’étonne de trouver ce terme de beau dans les propos de cet artiste, alors que la beauté dans l’art s’est tellement vue remise en cause, et par lui aussi me semblait-il, au moins pour le (trop) peu que je connaisse de son œuvre : son gigantesque pot doré dans la cour de Beaubourg, que jamais il ne me serait venu à l’esprit de qualifier de beau. Probablement n’y ai-je jamais vu que la critique par un artiste de l’institution muséale, à laquelle il appartient par ailleurs.

Dans la hâte de te voir et discuter bientôt avec toi « in real life », je t’embrasse,

Véronique

//

Chères Véronique, Dominique et catherine,

1-Je crois que la beauté est de l’ordre de l’hypnose, une sorte de masque de l’objet, de l’abject, c’est-à-dire le moment où I et a sont confondus, c’est le moment amoureux aussi bien. Ce n’est pas pour rien que Lacan indique dans la note sur l’enfant de se maintenir suffisamment éloigné de I et de a.

2- Dans un article intitulé “ désirer s’insérer” paru dans un Feuillet du courtil ( à vérifier ), JAM présente la naissance du sujet comme équivalente à sa mort, soit sa mortification sous un signifiant ( S fixé à S1). Sa renaissance n’est possible qu’à ce qu’il décolle de S1, par l’articulation de ce dernier à un S2: Ouf, sauvé! En devenant un manque, que vient représenter un signifiant pour un autre. L’effacement de l’un apparaît comme origine, et vogue la délicieuse galère entre les deux morts ( la première qui donne naissance au S barré, et la seconde, réelle.)

3- la beauté, par exemple de l’acte, n’est que le masque de son horreur, son refus?

Voilà ce qui me vient à l’esprit, à vous lire sous le crépitement du feu de cheminée.

Bonne soirée, mesdames, et samedi!

Alain

//

ah bien merci alain
pour ces réflexions du coin du feu

ping pong :

en 1- tu ou vous, je m’en rends compte, n’avez crainte de mettre des mots où je refuse, encore. par ailleurs, je crois qu’il est vrai que la beauté a cessé, au moins en certains endroits de l’art, contemporain s’entend, d’être ce qui compte (levée des voiles, du masque justement) (du fait de la chute ( ?est-ce le mot) de I, l’idéal

en 2 – je trouve ça très intéressant ce que tu dis. ça n’enlève rien cependant à la tristesse des propos de raynaud? ou non ? ou la délicieuse galère « La création, pour moi, c’est une ivresse. » a-t-il trouvé à la vivre (la métaphoriser ?) dans son art ?

3 – décidément, à l’acte, de l’acte, je ne connais rien

bonsoir alain, bonsoir à vous tous,

véronique

//

Eh oui, Véronique, la tristesse reste, parce qu’est refusé le comique phallique: il ne veut pas voir faner une fleur, il veut la montée en puissance mais pas la descente ! Plutôt détruire que voir vieillir!

L’acte est du domaine du réel, normal qu’on y comprenne pas grand chose. Par exemple, est-ce un acte de n’être?

Bonne nuit Véronique, bonne nuit aux lecteurs.

Alain

Chic by accident, d’Yves-Noël Genod

Chic by accident, nouvelle pièce d’Yves-Noël Genod du 13 au 17 mars à la Ménagerie de verre, à 20h 30.

La Ménagerie de verre
12/14 rue Léchevin, 75011 Paris
Métro : Ligne 3 (Parmentier)

Ligne 9 (Saint-Ambroise)
Bus : Ligne 96 (Parmentier-République)
Ligne 46 (Parmentier-République ou Saint-Ambroise)

Chic by accident
Durée estimée : 75 mn
Avec : Jeanne Balibar, Valérie Dréville, Romain Flizot, Sophie O’Byrne, Lucien Reynes, Marlène Saldana, Wagner Schwartz, Dominique Uber, Charles Zevaco
Lumière : Philippe Gladieux

 

Photo François Stemmer. Jeanne Balibar.
Photo François Stemmer. Jeanne Balibar.

J’ai assisté à une répétition, ça m’a bien plu. Je dois vous avertir que c’est très « déshabillé », des vêtements circulent entre les acteurs (en qui l’on peut voir « des hétéronymes à la Pessoa ») et se posent sur l’un ou l’autre « comme des papillons », dixit Genod. Mais il n’est pas du tout dans la provocation. Pour moi, ça accentue la vulnérabilité propre aux comédiens. Ceux-ci sont très bons et je les trouve très courageux aussi ! 

La pièce est faite de bouts et de fragments (déplacements qui paraissent aléatoires, bribes de discours, bribes de musiques) mais trouve pourtant son unité. Si le metteur en scène voit le plateau comme « la maison des acteurs » (je le cite encore), il sait aussi faire du théâtre la maison des spectateurs. L’impression est très forte de participer ensemble, comédiens et spectateurs, à un rite, à une cérémonie.

Voilà ce qu’on en dit sur le site du théâtre: 

« Claude Régy avait envoyé Claude Degliame se faire faire une robe par Madame Grès. Madame Grès a donc placé Claude Degliame entièrement déshabillée au centre d’une pièce à la moquette épaisse et elle a commencé à dérouler le tissu autour d’elle. Les fameux drapés. « Taffetas carton, bleu canard, un rien ténébreux ». Coco Chanel disait, elle aussi, qu’elle ne savait pas à l’avance comment serait sa collection car elle faisait « ses robes sur les mannequins ». Yves-Noël Genod laisse les acteurs (ainsi que les spectateurs) se vêtir de leur imaginaire. Après le diptyque de la Cité internationale intitulé : – je peux / – oui, et plus récemment, La Mort d’Ivan Ilitch, au théâtre de la Bastille, le metteur en scène présente une nouvelle pièce de groupe en forme de manifeste. « Je suis ce qui m’entoure. / Les femmes comprennent cela. / On n’est pas duchesse / A cent mètres de son carrosse. » (Wallace Stevens le dit dans un poème justement intitulé Théorie) Soient donc ces portraits : / un vestibule sombre; / Un lit à baldaquin. / Ce ne sont là que des exemples. »

Je compte y aller le 13 15.

Dominique

Teenage hallucination / Nouveau festival / Gisèle Vienne et Dennis Cooper

http://www.g-v.fr/creations/vf-lastspring-frameset.htm
à voir

http://www.chronicart.com/webmag/article.php?id=1741
interview par mon ami julien

Votre,
Guy.

 

Teenage hallucination, du 22 février au 12 mars (11h00 – 21h00)
Centre Pompidou – Paris 4e


Nouveau festival/3ème édition Teenage… par centrepompidou

Jean-Pierre Tanguy à la galerie oblique au Village Saint-Paul

Exposition de mon ami peintre Jean-Pierre Tanguy du 16 au 18 mars 2012

à la Galerie Oblique
Village Saint Paul
17, rue Saint-Paul 75004 Paris
Tel: 01 40 27 01 51

« Itinéraires: de Venise à Kuala Lumpur »

Vernissage le vendredi 16 mars 2012 à partir de 18 h en présence de l’artiste.

Qui veut venir? 

Viva Mariana & Resisting the Present

Rendez-vous  le 24 mars au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris  pour l’exposition RESISTING THE PRESENT ~ Mexico 2000 / 2012

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Musée d’Art moderne de la Ville de Paris
11 avenue du Président Wilson
75116 Paris
Tél. 01 53 67 40 00
www.mam.paris.fr
Ouvert du mardi au dimanche
de 10h à 18h
Nocturne le jeudi jusqu’à 22h

Communique de presse

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris présente l’exposition « Resisting the Present. Mexico 2000/2012 », composée d’une cinquantaine d’oeuvres (installations, vidéos,
dessins, photos et films). Elle rassemble une génération fortement engagée dans l’évolution sociale et politique de son pays. Nés pour la plupart après 1975, ces 24 artistes sont actifs au Mexique depuis les années 2000.

Marquée par l’évolution politique et économique hors norme du Mexique au cours de ces vingt dernières années, et par le développement de ses institutions culturelles, la scène artistique mexicaine manifeste depuis plus de vingt ans un dynamisme à résonance internationale.

Celui-ci a été impulsé par le rayonnement de la génération des années 90 qui a révolutionné l’image que l’on pouvait avoir de l’art mexicain et l’a placé au centre des courants alternatifs de la décennie 1990-2000. Les artistes présentés dans cette exposition sont les héritiers de cette génération. Ils s’en réclament, tout en affirmant une distance vis à vis d’elle. Majoritairement actifs depuis les années 2000, ils sont confrontés à un contexte historique différent, plus sombre que celui de leurs aînés.

La révolution engendrée par la globalisation économique (Accord de libre -échange
nord-américain, en 1994) et technologique, l’espoir de l’avènement d’une démocratie civile et sa profonde désillusion, la montée des tensions sociales liées à la corruption et à la violence, forment un climat pesant.

Les artistes réunis dans cette exposition viennent d’horizons différents (arts visuels, cinéma, documentaire…) Ils utilisent diverses stratégies qui peuvent prendre le chemin de l’activisme poétique, du détournement de problématiques nationales (guerre des narcos, criminalité, corruption, identité, immigration, frontières). Chacune traduit plus ou moins explicitement la prise de conscience d’un modèle économique en crise et le climat d’inquiétude que traversent aujourd’hui les sociétés soumises aux enjeux de la globalisation.

Liste des artistes exposés

NATALIA ALMADA. Née en 1974 au Mexique / Vit et travaille entre New York et Mexico
EDGARDO ARAGÓN. Né en 1985 à Oaxaca / Vit et travaille entre Oaxaca et Mexico
MARCELA ARMAS. Née en 1976 à Durango / Vit et travaille à Mexico
DIEGO BERRUECOS. Né en 1979 à Mexico / Vit et travaille à Mexico
IÑAKI BONILLAS. Né en 1981 à Mexico / Vit et travaille à Mexico
MARIANA CASTILLO DEBALL. Née en 1975 à Mexico / Vit et travaille à Mexico
MINERVA CUEVAS. Née en 1975 à Mexico / Vit et travaille à Mexico
JONATHAN HERNÁNDEZ. Né en 1972 à Mexico / Vit et travaille à Mexico
ARTURO HERNÁNDEZ ALCÁZAR. Né en 1978 à Mexico / Vit et travaille à Mexico
BAYROL JIMÉNEZ. Né en 1984 à Oaxaca / Vit et travaille à Oaxaca
ALEJANDRO JODOROWSKY. Né en 1929 à Tocopilla, Chili / Vit et travaille à Paris
ADRIANA LARA. Née en 1978 à Mexico / Vit et travaille à Mexico
GONZALO LEBRIJA. Né en 1972 à Guadalajara / Vit et travaille à Guadalajara
ILÁN LIEBERMAN. Né en 1969 à Mexico / Vit et travaille à Mexico
JUAN PABLO MACÍAS. Né en 1974 à Puebla / Vit et travaille entre Mexico et l’Italie
JORGE MÉNDEZ BLAKE. Né en 1974 à Guadalajara / Vit et travaille à Guadalajara
NICOLÁS PEREDA. Né en 1982 à Mexico / Vit et travaille à Mexico
CARLOS REYGADAS. Né en 1971 à Mexico / Vit et travaille à Mexico
GIANFRANCO ROSI. Vit et travaille entre les États-Unis et l’Italie
JORGE SATORRE. Né en 1979 à Mexico / Vit et travaille entre Mexico et Barcelone
et ERICK BELTRÁN. Né en 1974 à Mexico / Vit et travaille entre Mexico et Barcelone
PABLO SIGG. Né en 1974 à Mexico / Vit et travaille à Mexico
TERCERUNQUINTO. Collectif formé en 1996 à Monterrey / Vivent et travaillent à Mexico
HÉCTOR ZAMORA. Né en 1974 à Mexico / Vit et travaille à Sao Paulo

De l’art et de la fin de l’analyse // à propos de l’erreur de créon

j’essaie de relire le séminaire 7, y retrouver l’entre-deux-morts et la beauté.

ce passage, entre autres, que je veux vous résumer ici, me semble pouvoir être rattaché à ce que raynaud nous relate de son expérience:

[ voir Jacques Lacan,  L’éthique de la psychanalyse, p.301 – 304]

quelle est l’erreur de créon ? de vouloir imposer sa loi du « bien de tous »  pour tous et pour tout, sans tolérer d’exception (pour tout x phi de x | il n’existe pas de x tel que non phi de x).

ça ne peut avoir lieu sans excès, car il empiète alors dans le domaine du non-écrit, des lois non-écrites, le champ de dieux (ce qui ne cesse pas de ne pas s’écrire), que nous ne connaissons plus, qui a été balayé par le christianisme.

ce qui nous intéresse, c’est ce qui nous reste de ce champ des dieux, ce que nous en avons fait, dont il ne nous reste qu’une limite.

cette limite, c’est celle de la seconde mort.

sade essaie de « traquer la nature dans le principe de sa puissance formatrice, réglant les alternances de la corruption et de la génération ».

pour échapper aux lois de la nature, la libérer de ses chaînes, il faut aller jusqu’au crime, parce que le crime n’appartient pas à l’ordre naturel, n’est pas naturel. ainsi pourra-t-on la forcer, forcer la nature, à partir de rien. lacan utilise ici le terme de créationnisme, et ajoute : « Les frontières du à partir de rien, du ex-nihilo, c’est là vous ai-je dit dans les premiers pas de notre propos de cette année, que se tient nécessairement une pensée qui veut être rigoureusement athée. »

 « pensée sadique se tient dans cette limite »

fantasme d’une souffrance éternelle –> eh bien la région d’outrepasse, de sortie des lois naturelles où se tiennent « les jeux de la douleur », les jeux de la souffrance éternelle, est la « même région que celle où s’ébattent les phénomènes de l’esthétique, un certain espace libre. »

« victimes sont toujours parées, non seulement de toutes les beautés, mais de la grâce même, qui en est la fleur dernière. Comment expliquer cette nécessité, si ce n’est d’abord qu’il nous faut la retrouver cachée, toujours imminente, de quelque côté que nous abordions le phénomène, de côté de l’exposition émouvante de la victime ou du côté aussi bien de toute beauté trop exposée, trop bien produite, qui laisse l’homme interdit devant l’image derrière elle profilée de ce qui la menace. Mais de quoi ? – car ce n’est pas de l’anéantissement. »

burlesque

Bonjour

Je tombe par hasard sur ceci
http://www.lemonde.fr/culture/article/2012/03/09/la-culture-plus-on-la-consomme-plus-on-a-envie-d-en-consommer_1655773_3246.html

Le genre d’article qui me donne envie de balancer une brique dans mon pc

« ou simplement être plus productif au travail grâce au plaisir que vous avez ressenti. En bref, vous serez un meilleur citoyen et cela va profiter à la société. »

Quelle horreur
Quelle honte

Votre,
Guy.

 

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 Je préfère :

La culture / C’est comme le riz / D’abord c’est dur / Ensuite c’est cuit… 

(in « – je peux / – oui« , d’ Yves-Noël Genod).

 

Dominique.

 

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 Eh bien oui, cher Guy, si le capitalisme investit dans la culture ce n’est pas pour nos beaux yeux! Il sait sur quel bouton appuyer pour nous faire jouir et produire comme il veut. Il sait même perfectionner cela en s’appuyant sur Freud ( la sublimation, qui a des effets thérapeutiques), sur Marx ( la plus-value) et maintenant sur Lacan ( le plus-de-jouir). On appelle cela du détournement, de l’exploitation du bien de l’autre.

À nous d’y résister de la bonne manière, à ce pousse-à-jouir sans fin d’objets standardisés venant du marché.

Et la seule résistance qui vaille, c’est ce qui fait référence pour chacun: son petit a ! Ce n’est que par lui qu’on peut faire solidement objection à la standardisation de la jouissance.

L’usage de la culture pour l’obtention d’objets humains équilibrés en vue d’une meilleure exploitation de leur force de travail est vieux comme le monde: bien nourrir ses esclaves! Certaines entreprises offrent aujourd’hui gratuitement des séances de psychothérapie à ses salariés. Le système s’est perfectionné en passant de l’esclavage au salariat, via  » la servitude volontaire » ( cf La Boetie )

À ce titre-là, je serais toujours plutôt Loup que Chien ( cf le Loup et le Chien, fable de Jean de la Fontaine), Plus Lobito (lol)que chiot.

Soyons arteurs de nos vies!

Al

 

 

Envoyé de mon iPhone

 

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Bonjour

Oui, sans doute!
Bon je relisais ça ce matin:

192

La consommation spectaculaire qui conserve l’ancienne culture congelée, y compris la répétition récupérée de ses manifestations négatives, devient ouvertement dans son secteur culturel ce qu’elle est implicitement dans sa totalité : la communication de l’incommunicable. La destruction extrême du langage peut s’y trouver platement reconnue comme une valeur positive officielle, car il s’agit d’afficher une réconciliation avec l’état dominant des choses, dans lequel toute communication est joyeusement proclamée absente. La vérité critique de cette destruction en tant que vie réelle de la poésie et de l’art modernes est évidemment cachée, car le spectacle, qui a la fonction de faire oublier l’histoire dans la culture, applique dans la pseudo-nouveauté de ses moyens modernistes la stratégie même qui le constitue en profondeur. Ainsi peut se donner pour nouvelle une école de néo-littérature, qui simplement admet qu’elle contemple l’écrit pour lui-même. Par ailleurs, à côté de la simple proclamation de la beauté suffisante de la dissolution du communicable, la tendance la plus moderne de la culture spectaculaire — et la plus liée à la pratique répressive de l’organisation générale de la société — cherche à recomposer, par des « travaux d’ensemble », un milieu néo-artistique complexe à partir des éléments décomposés ; notamment dans les recherches d’intégration des débris artistiques ou d’hybrides esthético-techniques dans l’urbanisme.

Ceci est la traduction, sur le plan de la pseudo-culture spectaculaire, de ce projet général du capitalisme développé qui vise à ressaisir le travailleur parcellaire comme « personnalité bien intégrée au groupe », tendance décrite par les récents sociologues américains (Riesman, Whyte, etc.). C’est partout le même projet d’une restructuration sans communauté.

http://dumauvaiscote.pagesperso-orange.fr/la_societe_du_spectacle/societespectacle.htm

Bonne journée
Guy.

« La culture, plus on la consomme, plus on a envie d’en consommer »

Françoise Benhamou, spécialiste de l’économie de la culture | LEMONDE.FR | 09.03.12 | 18h19   •  Mis à jour le 09.03.12 | 19h17

 Françoise Benhamou est l’une des spécialistes mondiales de l’économie de la culture. Pour Le Monde.fr, elle revient en détails sur les différents concepts économiques évoqués dans la parabole des Tuileries.

Lors d’une intervention en octobre 2010 à Savigny-sur-Orge (Essonne), Nicolas Sarkozy a dit : « Quand on va au théâtre ou au concert étant jeune, on y va toute sa vie. Quand on créé l’habitude, quand on a créé le désir, on le décline sa vie durant. » Est-ce là une remarque qu’un économiste pourrait reprendre à son compte ?

 Tout à fait. Quand les économistes ont commencé à réfléchir sur les consommations culturelles, ils ont fait le parallèle avec la drogue. On n’assouvit pas son désir d’héroïne en la consommant. Au contraire, le désir ne fait qu’augmenter à chaque dose. C’est à peu près la même chose avec la culture : plus on la consomme, plus on aime ça, et plus on a envie d’en consommer. En économie, on dit que l’utilité marginale de l’héroïne, comme celle des biens culturels, est croissante. Mais, de la même façon qu’il faut prendre une première dose d’héroïne pour avoir envie d’en prendre une seconde, il faut recevoir une première « dose » de culture pour, peu à peu, y prendre goût. C’est en partie ce qui justifie l’investissement public dans l’éducation culturelle : l’État cherche à créer chez les citoyens les moyens de développer leur goût pour la culture.

Dans les ouvrages spécialisés, on lit souvent que la consommation de biens culturels génère des « externalités positives » qui justifient les subventions publiques. Qu’entendent par là les économistes ?

L’idée d’externalité positive est assez simple. Prenons l’exemple du théâtre. Lorsque vous allez voir une pièce, vous en retirez une certaine satisfaction, qu’on appelle aussi utilité. Mettons qu’elle soit égale à 100. Les économistes expliquent que l’utilité totale créée par le fait que vous alliez au théâtre est en réalité supérieure à 100. Pourquoi ? Parce que vous allez peut-être parler de cette pièce avec des collègues, ou simplement être plus productif au travail grâce au plaisir que vous avez ressenti. En bref, vous serez un meilleur citoyen et cela va profiter à la société. Cet effet supplémentaire de votre consommation est une externalité positive. Mais en tant que consommateur, vous n’êtes prêt à payer que pour votre propre satisfaction, et non en fonction de la satisfaction que vous apportez à la collectivité. Il revient donc à l’État de subventionner la différence entre l’une et l’autre. Dans le cas contraire, le marché qui, laissé libre, ne peut subvenir qu’à la somme des demandes individuelles, produira moins de pièces de théâtre que ce dont la société a besoin.

Beaucoup d’études économiques justifient l’investissement culturel par l’idée que celui-ci a un effet multiplicateur, c’est à dire qu’il génère des retombées économiques supérieures aux sommes investies. Que pensez-vous de cet argument?

L’effet multiplicateur de l’investissement culturel existe, mais il est souvent grossi, caricaturé et instrumentalisé, en particulier par des porteurs de projets : ils cherchent un financement, et s’adressent aux collectivités territoriales en arguant des retombées économiques de leur projet. Le plus souvent, les retombées sont surtout qualitatives. Personne ne remettra en cause, par exemple, que le musée Guggenheim de Bilbao a donné une excellente image à la ville. Mais ces aspects qualitatifs étant difficiles à mesurer, il arrive que le côté quantitatif soit volontairement exagéré.
L’investissement culturel ne produit donc pas nécessairement que des effets positifs.
Il peut même avoir des effets décevants ou ambivalents. Prenons l’exemple de villes italiennes muséifiées, telles que Rome ou Lucca. Les investissements massifs qui ont servi à les mettre en valeur ont certes profité aux visiteurs – qui peuvent à présent marcher dans des rues interdites à la circulation automobile –, ainsi qu’aux commerçants locaux. Mais ils ont aussi entraîné une hausse systématique des prix. Les populations moins fortunées ont dû quitter les centres villes pour habiter en périphérie, dans de grands ensembles souvent construits à la hâte. Les banlieues se sont enlaidies, et la qualité de vie de leurs habitants s’est dégradée. Donc, ce qu’on a fait de positif pour ces villes, on l’a en quelque sorte fait payer à leurs contours.

Propos recueillis par David Castello-Lopes

extraction et continu

chère catherine et chère isabelle,

 catherine d’abord : à propos de la séparation de l’objet, cela m’est revenu ce matin au réveil, j’avais envoyé un texte sur escapades – celui qui traitait du « n’importe quoi » -, où pour illustrer ce qui me semblait témoigner d’un nouveau tour pris par l’histoire de l’art, j’avais parlé du tableau de Manet, « L’asperge », où l’on voit une asperge sur le bord d’une table :

« or, en ce temps-là, il y a eu moment où c’était fait (Manet, l’asperge),http://escapadesculturelles.files.wordpress.com/2011/11/manet-asperge.jpg?w=300 l’asperge était extraite.

évidemment, ça se serait fait sur le bord de la table, au bord du vide, mais il y avait le cadre il y avait le nom il y avait la signature, eût-elle été pâteuse, parachèvement_

(d’éthique: d’un rendre compte de l’objet, sans se confondre avec lui, en s’en séparant) »

j’ai oublié de mentionner ça, samedi.

je vous avait dit (d’un point de vue historique) : à la renaissance, naissance de la perspective : apparition du sujet au point d’infini de la perspective (H. Damisch) et traité d’Alberti à la « fenêtre du tableau » : l’istoria : l’écriture, dans le cadre du tableau, du fantasme (cf. gérard waczman…)

je vous avais mentionné le livre de françois wahl : le discours du tableau

et puis, thierry de duve, Dieu est mort : avancée du « n’importe quoi » (Courbet, ses Casseurs de pierre, plus tard, de façon d’autant plus exemplaire : Duchamp). « n’importe quoi » que je dis de la pulsion (donc de l’objet) , temps donc, de l’extraction de l’objet, de la séparation, de la présentation.

 

 

et puis, Isabelle, à la suite de ça, ce passage sur l’extraction de l’objet, j’écrivais également :

« Tandis que nous, c’est comme si de cette extraction, on ne sortait pas, on ne sortait plus.

Et si le signifiant a fonction de porte (il faut qu’une porte soit ouverte ou fermée), cette fonction, qui délimite un dedans et un dehors, n’est plus très assumée/assurée.

Comme si de l’être-même de la porte nous ne sortions plus. De son bois (hêtre) dont nous sommes chauffés, dont les gonds jouent au gré de vents auxquels nous ne pouvons rien, si forts parfois que nous en sortons. Des gonds sortons et alors_
/ cette chute – à laquelle l’asperge aurait pu sembler promise »

il s’agit donc d’un texte ancien, d’une époque où je réfléchissais à ce que je faisais dans les blogs, à ce qui se faisait dans les blogs, auxquels effectivement j’essayais de penser comme à « ce qui ne cesse pas de s’écrire ». je voulais revenir là-dessus dans la mesure où c’est l’expression qu’a reprise également Isabelle en découvrant l’exposition Ai Wei Wei.

mon expérience des blogs était bien celle d’une nécessité que je qualifierais d’impérieuse, il était vraiment très difficile de ne pas le faire, cela s’imposait à moi, me prenait « toute » (c’est un peu ma tendance, hein). et dans cette expérience-là, j’avais le sentiment, qu’effectivement « l’objet n’en finissait jamais de sortir »… (ça me paraît un peu atroce de dire ça, mais bon).

voilà, il me semble que c’est également une piste de travail intéressante, et je suis très heureuse que nos mots, à isabelle et à moi, se soient rencontrés là-dessus…

si, nous pouvions réfléchir à ça ensemble, j’en serais heureuse (internet, le présent continu, le perpétuel work in progress, le brouillon infini, l’addiction, bien sûr, etc.) (s’agit-il de « résister au présent ? »)

bien à vous,

à bientôt chers escapadeurs,

véronique

 

jean luc pradels, dernières scultpures

Chers Escapadeurs,

samedi prochain, Jean Luc Pradels nous accueille chez lui pour une exposition privée de ses sculptures.
J’y serais à partir de 15 h 30.
Je vous fais suivre son invitation.
Contactez moi pour obtenir le code d’entrée si vous souhaitez venir.
Bonne fin de week-end à tous.
V

« Samedi 17/03 présentation des dernières sculptures de 11h à 13h et de 14h à 19h
au: 3 rue David d’Angers
75019 Paris

En attendant bonne semaine à tous!
Amicalement Jean-Luc »

le spectacle ; la destruction extrême du langage et la congélation de l’ancienne culture

########## mail 1/4 #######

cher guy,
 
 à propos du texte que tu nous as envoyé, questions :
sais-tu à quoi Debord pense (comment il explique) quand il parle
  .  de « destruction extrême du langage » et
  . de cette fonction du spectacle qui consisterait à « faire oublier l’histoire dans la culture » (de congélation de l’ancienne culture )?

 ça m’intéresserait,

 merci,

 ta,

  v
 
  nb : comme tu sais, comme vous savez, je m’intéresse à « l’oubli de   l’histoire » et j’ai le sentiment d’avoir le langage extrêmement détruit.

########## mail 2/4 #######

 Cher Guy,

A ce propos, tiens, de la « destruction extrême du langage », je tombe sur ces images (de Blutch dans Mish Mash, Éditions Cornelius). les scans sont un peu flou, mais.. l’esprit demeure, je crois…

Véronique

########## mail 3/4 #######

bonjour

bien sûr que je sais
mais je regardais un épisode de x-files, je dormais puis me réveillais,
prenais un café et finalement maintenant que je suis au travail je peux ne
pas m’y livrer
http://i-situationniste.blogspot.com/2007/04/all-kings-men.html
là c’est un peu romantique mais
ça se lit
voilà pour le langage

ah oui l’histoire

142

L’histoire qui est présente dans toute la profondeur de la société tend à se perdre à la surface. Le triomphe du temps irréversible est aussi sa métamorphose en temps des choses, parce que l’arme de sa victoire a été précisément la production en série des objets, selon les lois de la marchandise. Le principal produit que le développement économique a fait passer de la rareté luxueuse à la consommation courante est donc l’histoire, mais seulement en tant qu’histoire du mouvement abstrait des choses qui domine tout usage qualitatif de la vie. Alors que le temps cyclique antérieur avait supporté une part croissante de temps historique vécu par des individus et des groupes, la domination du temps irréversible de la production va tendre à éliminer socialement ce temps vécu.

143

Ainsi la bourgeoisie a fait connaître et a imposé à la société un temps historique irréversible, mais lui en refuse l’usage. « Il y a eu de l’histoire, mais il n’y en a plus », parce que la classe des possesseurs de l’économie, qui ne peut pas rompre avec l’histoire économique, doit aussi
refouler comme une menace immédiate tout autre emploi irréversible du temps. La classe dominante, faite de spécialistes de la possession des choses qui sont eux-mêmes, par là, une possession des choses, doit lier son sort au maintien de cette histoire réifiée, à la permanence d’une nouvelle immobilité dans l’histoire. Pour la première fois le travailleur, à la base de la société, n’est pas matériellement étranger à l’histoire, car c’est maintenant par sa base que la société se meut irréversiblement. Dans la revendication de vivre le temps historique qu’il fait, le prolétariat
trouve le simple centre inoubliable de son projet révolutionnaire ; et chacune des tentatives jusqu’ici brisées d’exécution de ce projet marque un point de départ possible de la vie nouvelle historique.

144

Le temps irréversible de la bourgeoisie maîtresse du pouvoir s’est d’abord présenté sous son propre nom, comme une origine absolue, l’an I de la République. Mais l’idéologie révolutionnaire de la liberté générale qui avait abattu les derniers restes d’organisation mythique des valeurs, et
toute réglementation traditionnelle de la société, laissait déjà voir la volonté réelle qu’elle avait habillée à la romaine : la liberté du commerce généralisée. La société de la marchandise, découvrant alors qu’elle devait reconstruire la passivité qu’il lui avait fallu ébranler fondamentalement pour établir son propre règne pur, « trouve dans le christianisme avec son
culte de l’homme abstrait… le complément religieux le plus convenable » (Le Capital). La bourgeoisie a conclu alors avec cette religion un compromis qui s’exprime aussi dans la présentation du temps : son propre calendrier abandonné, son temps irréversible est revenu se mouler dans l’ère chrétienne dont il continue la succession.

145

Avec le développement du capitalisme, le temps irréversible est unifié mondialement. L’histoire universelle devient une réalité, car le monde entier est rassemblé sous le développement de ce temps. Mais cette histoire qui partout à la fois est la même, n’est encore que le refus intra-historique de l’histoire. C’est le temps de la production économique, découpé en fragments abstraits égaux, qui se manifeste sur toute la planète comme le même jour. Le temps irréversible unifié est celui du marché mondial, et corollairement du spectacle mondial.
——————-

mais je crois qu’il faut tout lire, ce chapitre IV « Temps et Histoire »
etc.

 ########## mail 4/4 #######

si donc, je traduis dans ma langue cette langue un peu lointaine, ça donne :

le temps est passé du temps des hommes au temps des choses

ce temps des choses n’est pas cyclique mais irréversible (sans retour)

autrefois rare, l’histoire est devenue produit de consommation courante mais uniquement en tant qu’elle est « histoire des choses » ( mode)

ce que l’on consomme couramment c’est du temps

la bourgeoisie a imposé un temps irréversible à la société mais dont elle « lui interdit l’usage » – c’est celui des choses, qu’elle ne peut que consommer, et pour le consommer il lui faut le produire, et pour le produire il lui faut vendre son temps

le temps n’a plus d’histoire, ne peut plus avoir d’histoire parce qu’il doit rester lié au temps économique qui lui, je suppose, ne peut être que le temps du mouvement en avant, une chose devant aussi vite que possible être remplacée par une autre ( ?)

temps réifié, puisqu’il s’agit du temps des choses, temps immobile, parce qu’il doit être dans le temps de la chose : l’instant, ce qu’elle comporte de promesse de jouissance (laquelle est hors-temps, dans ma langue)

le temps irréversible de la bourgeoisie a trouvé son départ dans l’an I de la république. la liberté que prônait l’idéologie révolutionnaire s’est vite vue réduite à la liberté économique. et très vite la société de la marchandise s’est aperçue qu’elle devait ramener les hommes à la passivité, et a récupéré le « le christianisme avec son culte de l’homme abstrait » et son calendrier.

le temps est devenu universel, le même pour tous, c’est le temps « irréversible unifié » « du marché mondial, et corollairement du spectacle mondial »

est-ce que cette traduction (premier jet) traduit ou trop trahit ?

Ô solitude, tu te souviens Géraldine?

Dans le film de Benoît Jacquot Villa Amalia, d’après le livre de Pascal Quignard, on peut entendre « Ô solitude, poème écrit par Katherine Philips au dix-septième siècle, mis en musique par Henry Purcell et chanté par Alfred Deller. »

Cf. l’article de Marie-Claude Chauviré, Lettre mensuelle n° 306, p. 7.

Dominique.

O Solitude
O solitude, my sweetest choice!
Places devoted to the night,
Remote from tumult and from noise,
How ye my restless thoughts delight!
O solitude, my sweetest choice!
O heav’ns! what content is mine
To see these trees, which have appear’d
From the nativity of time,
And which all ages have rever’d,
To look today as fresh and green
As when their beauties first were seen.
O, how agreeable a sight
These hanging mountains do appear,
Which th’ unhappy would invite
To finish all their sorrows here,
When their hard fate makes them endure
Such woes as only death can cure.
O, how I solitude adore!
That element of noblest wit,
Where I have learnt Apollo’s lore,
Without the pains to study it.
For thy sake I in love am grown
With what thy fancy does pursue;
But when I think upon my own,
I hate it for that reason too,
Because it needs must hinder me
From seeing and from serving thee.
O solitude, O how I solitude adore!

Katherine Fowler Philips (née le 1er janvier 1631, décédée le 22 juin 1664), dite l’incomparable Orinde (« the matchless Orinda ») est une poétesse anglo-galloise, connue notamment en raison de la reprise de son poème « O solitude » par Henry Purcell

Villa Amalia (2009) – void and solitude (I. Huppert)

Oh merci Dominique! Ce que j’aime ce film, ….

Et je suis bien d’accord avec Lunita, cette interprétation de Purcell par Alfred Deller me donne des frissons!
Merci Vé pour ton lien sur @escapcult! Comme toujours, une correspondance rendue si poétiquement…
Je vous embrasse fort!
Géraldine.

Envoyé de mon iPad

(horreur et beauté) (tim burton et les ambassadeurs)

11 mars 2012, 20h10

Tim Burton, à la Cinemathèque, rue de Bercy, c’est extra!

Ne ratez pas son Burtonarium: toutes sortes de créatures, qui sont des monstres qui s’ignorent, qui n’ont nulle conscience de leur étrangeté.

En écho à nos questions de cartel ( magistralement déclaré par notre v ), c’est étrangement – mais pas inquiétant du tout – ni beau, ni laid, c’est ! 

C’est le dessin de la monstruosité comme voile de la monstruosité : il en ressort une certaine humanité. Le crime est toujours au premier plan, celui de la dévoration, maternelle bien sûr chez TB.

Quant à l’acte dans l’art, qui me préoccupe, peut-être y en a t-il une trace chez TB,dans ce qu’il dit: je dessine parce que j’aime ça, sans me soucier si c’est beau ou pas, si on aimera ou pas. Il y a, chez l’artiste, un instant d’acte qui ne se soutient d’aucune référence, sinon son petit a chéri !

Je questionnerai JL là-dessus samedi!

Bises

a.

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12 mars 2012, 00:10

Merci, Alain!

Trop belle cette image sur le couple, au sens de la monstruosité, que nous aurons aussi à travailler dans notre cartel, en en serrant les bords, les bords de la jouissance, pour passer de l’horreur à la beauté -ou moins… et bien nous porter, allégés de cet objet innommable ( je rejoins là mon point: séparation de l’objet).

J’ai vu l’expo sur Matisse aujourd’hui. Un point m’a intéressée, c’est justement le point qu’il repérait dans sa peinture comme faille, comme ce qui ne va pas, à partir duquel il se réintroduisait et reprenait tout son tableau. J’en ai parlé avec Géraldine, lorsque plus tard nous visitions au Jeu de Paume l’œuvre de Ai Wei Wei, et on a repensé à ce point de réel, du tableau de « Ambassadeurs« .

Y a t’il, dans chaque œuvre un point de réel, qui ouvre sur l’horreur ou sur la beauté?

Est-ce cela qui fait l’œuvre d’art?

bises lointaines

Catherine

 

La défectuosité de l’art, de la plus-value au plus-de-jouir et le pot de moutarde

Tout art est défectueux, nous dit Lacan le 13 novembre 1968, à son séminaire qu’il nommera D’un Autre à l’autre. On sortait de mai 68, je rentrais en seconde à l’école normale de Lescar, et j’ignorais de fond en comble la psychanalyse, bien qu’ayant déjà essuyé une dépression, avec son front chaud – peur de mourir – et son front froid – l’ennui. De cette passe à vide, je ne retiens que le triomphe de sa sortie: je guéris dès que j’entendis le docteur dire à ma mère inquiète  » Il n’a rien… C’est juste une dépression nerveuse, comme vous.« 

Ainsi fus-je encombré d’une parole non défectueuse, qui fit mouche et m’hypnotisa longtemps rendant caduque toute interrogation sur son idiote existence.

C’est de tomber, à nouveau mais bien plus tard, sur une défectuosité, celle-ci d’amour, d’a-mur plutôt, que l’inconscient s’imposa à moi comme un compagnon fréquentable.

Je lis cette provocation de Lacan, la page 14 où elle s’inscrit, avec la boussole qui l’oriente:  il y construit a comme la référence du sujet, au-delà de l’Autre. Ce n’est pas sans rapport avec le pot de moutarde de la page suivante, et de ce qu’il dit de son acte, à la page précédente:  » Dans mon acte, je ne vise pas à l’exprimer (ma pensée), mais à la causer. »

L’acte cause? L’acte comme cause du sujet, du « hors-de-sens des propos »? N’est-ce pas d’être vide, défectueux, qu’un mot prend sa valeur de mot, pour représenter cette fois-ci un manque ( soit un sujet) pour un autre mot?

Je ne saurais trop vous recommander cette leçon introductive, qui recèle d’autres perles, par exemple celle-ci: « l’essence de la théorie analytique est un discours sans parole! « 

Son nom est alléchant: de la plus-value au plus-de-jouir.

Bonsoir,

Alain

Se trouver de Pirandello, mis en scène Stanislas Nordey, avec Emmanelle Béart

salut, escapadeurs,

je vous livre ce texte qui n’est sûr de rien, que j’ai écrit à la place de celui que je voulais écrire, sur la pièce de Genod. Au lieu de quoi j’ai écrit celui-ci, sur celle de Stanislas Nordey, avec lequel « Chic by accident » n’a justement rien à voir.

si vous arrivez à le lire, je ne détesterais pas avoir vos impressions,

bien à vous,

véronique

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Il y a eu ce texte hors du commun de Pirandello dans « Se trouver » mis en scène par Stanislas Nordey.

Avec Emmanuelle Béart, dans le rôle de Donata Genzi, seule, pleine, possédée (eue, exploitée).  Juste, sinon peut-être trop pleureuse au début, dès le début.  Elle, colle au texte, fait corps, flamme, elle seule de chair, brûlante/brûlée de vérité et d’ambition pour la vie.  C’est parti pris du metteur en scène.  Les autres, dit-il, c’est contradictoire à première vue, sont pions joués par lalangue, jouent le décollement du signifiant et de la signification.  Montrent l’endroit où une parole dite s’empare de votre corps, le fait jouer ailleurs, où vous n’êtes pas, où vous ne savez rien.  Eux qui cherchent chez l’Autre, Elle, le sens de l’insensé, ne voient pas où leur corps les quitte, jouant sa partie seul.  Inconscients.  Bavards.  Pris dans la jouissance du blabla ou de la pensée, pris dans la musique de leur propre parole, voix.  A guetter la jouissance de l’Autre, ignorent celle qu’ils en récupèrent.  Cela n’est pas vilain à voir, mais ça se montre peut-être un peu trop, le jeu se basant sur des trucs.  Comme si chaque acteur avait trouvé son truc, puis l’exploite.  Sauf l’oncle, en dehors de l’oncle (Frédéric Leidgens dans le rôle du comte Gianfranco Mola), il me semble (j’ai vu cette pièce il y a plus d’une semaine maintenant).  Enfin, cela dit, à y réfléchir légèrement plus, on peut se dire, qu’effectivement, éventuellement, ce truc, ce trouc particulier que se serait inventé chacun des acteurs, répondrait de la gestuelle inconsciente de chacun, voire de la possibilité de mouvement, qui depuis l’enfance ne cesse de « s’affiner », c’est-à-dire de se réduire.  Nous qui ne savons plus que faire de notre corps, et sommes obligés de faire du sport.

Quelle serait donc l’intention de Nordey Stanislas, metteur en scène à opposer à ce point le jeu d’elle et d’eux.  Les posant eux en chœur qui l’entoure, l’observe, la commente, elle, nouvelle Antigone.   

La seule qui habite sa parole, qui y lie son destin autant que son corps, c’est donc l’actrice.  Celle qui joue ne joue pas.  Sur scène elle vit, dans le regard et l’écoute, elle vit, s’appuyant du vide d’elle-même qui la désemparre, dans le renoncement à sa vie, dans l’abandon d’elle-même, par le regard/ l’écoute/le texte des autres, elle prend possession de son corps, elle rentre consciencieusement en jouissance.  Je ne sais pas comment ça marche, mais je crois bien que c’est quelque chose comme ça.  Ça part du départ de la difficulté d’être femme ou de la distance au corps ou de la douleur, hystérique, de la gifle/de la griffe du désir de l’autre, et de ce que ça bafoue, de ce que ça outrage ; ça part d’un désir d’incarnation, de réappropriation de son propre corps, du corps comme un vide, mais un vide plein, matériel, que l’on pénètre des mots que l’on prononce. Le texte prend le corps, le ranime, le donne à celle qu’il enveloppe.  On peut un instant se demander s’il est pour une femme un autre lieu que la scène pour en devenir une.  Y a de ça.  Ramener à soi l’au-delà de soi, faire qu’il y ait d’lun.  Ailleurs, en dehors de la scène, là où se tiennent les autres protagonistes de la pièce, les spectateurs de l’actrice, évidemment, ça se traîne, ça cherche le sens, ça en pose des questions, pas les pires non plus, mais rien à voir avec la jouissance que dit ne pas ressentir l’actrice, elle dit ça en privé, à sa confidente, non, dit-elle, elle ne sent rien quand il lui fait l’amour – Emmanuelle Béart dans une interview, dit le mot : « frigidité » – ce qu’elles en savent les femmes, de leur jouissance, lui, l’homme qui l’aime elle mais pas l’actrice, ne se doute de rien. Elle se soucie de cet écart.  On est dans les années 30, les années folles.  Donc, les autres se posent des questions sur le sens, la vérité, et sur ce qui lui arrive quand elle est en scène, elle.  Et plus ils y vont à essayer de construire leur discours, plus ils sont joués par lui. Elle, va à la rencontre d’une jouissance qui dans le rapport sexuel l’absente.  Je cherche ici la thèse de Stanislas Nordey, son hypothèse de départ.  Je la crois juste, je crois que cette hypothèse interprète le texte de Pirandello.  Finalement oui.  Peut-être de façon un peu trop caricaturale, mais. 

Il y en a un, l’amoureux, qui est fou, « fou, fou, fou, il est fou, je vous dis qu’il est fou », qui lui ne se pose pas toutes ces questions.  La vie est dans la vie, il n’y a pas le théâtre.  L’actrice, pour lui, n’est pas actrice, c’est une femme, vivante.  Pirandello, pour avoir eu une femme folle, sa première épouse, en sait quelque chose de la folie.  En connaît les séductions, et l’ultime, inhumaine, intelligence.  L’endroit où elle ne laisse, ne tolère aucune place au jeu, au semblant.  Cela, s’entend dans le texte, se devine.  L’acteur que j’ai vu jouer cependant me paraissait trop énervé.  Tout le temps trop énervé.  Loin de la séduction qu’il est censé avoir aux dires du texte.  Voilà.  Quel est cet énervement.  Un façon de jouer le trop, ce trop qui quand il devient vraiment trop, le fait retourner à la mer, d’où il vient, lui l’orphelin.  Pas pour y mourir nécessairement, pour être au milieu de ça, la mer, retrouver ses racines de l’au-delà de la mer.  Pour lui, il n’y a pas de théâtre, quand elle ne peut s’empêcher de le soupçonner dans chacun de ses propres gestes. Il a à faire avec la certitude, elle se coltine l’incertitude, l’insupportable du semblant et du vide où ça la laisse.  A ce semblant, il ne croit pas, il le tient pour réel, et quand il s’aperçoit de sa méprise, il la quitte sans retour. 

Donc il est orphelin, son oncle est très riche, il l’a élevé au bord de la mer en Italie, cette Italie bientôt entraînée dans le fascisme, duquel un moment Pirandello un moment se laissera tenter, cela à mon sens est évoqué par les décors, qui sont très laids, très grandioses, grandiloquents, gris.  Exposition d’une machinerie, pas très belle.  Machinerie, machinerie, toute la pièce est prise dans une machinerie.  Moi, j’ai une exécration étrange de l’architecture fasciste.  De tout ce qui de près ou de loin évoque l’esthétique fasciste.  Donc, là, les décors, c’était limite.  On peut en faire abstraction.  Mais,  c’est un peu les gros sabots, quand même, Stanislas.  Enfin, je ne vais jamais au théâtre, alors ; puis, on voit bien que ça le chiffonne, lui, Stanislas, les actrices.  C’est ça, qui fait que ça passe, ce chiffonnement qu’il donne à voir de lui.  Et  c’est une étrange fleur qu’il nous montre en Emmanuelle Béart, au bord de l’exquise, une orchidée, à coup sûr.

 


SE TROUVER
de Luigi Pirandello
traduction Jean-Paul Manganaro
mise en scène Stanislas Nordey
« Après la formidable réussite des Justes, Stanislas Nordey met en scène pour la première fois Pirandello. Il retrouve au centre de l’oeuvre un personnage de femme délicate, complexe, engagée, comme il les affectionne.
Une célèbre actrice de théâtre, à l’occasion d’une villégiature chez une amie d’enfance, est violemment confrontée à ses fantômes. Donata Genzi, dispersée en de multiples personnages, n’arrive plus à être elle-même, ni même à être ; pour se trouver, elle tente une autre aventure sentimentale et fuit le théâtre. Mais elle ne se réalise pas plus dans la vie que dans son métier…
Pièce bouleversante, Se Trouver est le chaînon intermédiaire entre ces deux sommets du théâtre de Pirandello que sont Six personnages en quête d’auteur et Les géants de la montagne. »
Luigi Pirandello
Né en Sicile en 1867, il a écrit nombreux romans, mais il est surtout connu pour son œuvre dramaturgique. Le 10 décembre 1934, il reçoit à Stockholm le prix Nobel de littérature « pour son renouvellement hardi et ingénieux de l’art du drame et de la scène ». Le théâtre de Luigi Pirandello porte une réflexion sur la vérité, la théâtralité et l’absurdité de la vie.
Avec Emmanuelle Béart (Donata Genzi) Claire-Ingrid Cottanceau (Elisa Arcuri) Michel Demierre (Carlo Giviero) Vincent Dissez (Ely Nielsen) Raoul Fernandez (Volpes) Marina Keltchewsky (Nina) Frédéric Leidgens (Le comte Gianfranco Mola) Marine de Missolz (Une femme de chambre) Stanislas Nordey, ou Laurent Sauvage (Salò) Véronique Nordey (La marquise Boveno) Julien Polet (Enrico)

notations sur l’art à la soirée des AE du 21 mars 2012

22/03/2012 à 3 h 43min 03

Avec Anne Lysy, Sonia Chiriaco, Patricia Bosquin-Caroz et Eric Laurent.

L’une des AE (laquelle ? Laure ou Catherine, qui étiez là, vous en souvenez-vous ?) s’est demandée si on pouvait rapprocher le « savoir y faire » avec son symptôme de la pratique de l’artiste. Ce ne serait pas un autre nom de la sublimation mais bien plutôt l’envers de celle-ci.

Dominique.

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22/03/2012 à 5 h 13 min 01 s

Pour ma part, j’identifierais le sinthome au sublimé, le nouage au  » sublimage ». En ce sens qu’est-ce qui distingue un psychanalyste d’un artiste, avec la référence aux nœuds? Quel rapport entre auto-analyse, si elle existait, et pratique artistique?

Histoire de sortir du lit!!!!

Alain

Envoyé de mon iPhone

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22/03/2012 à 8 h 14 min 07 s

 à  propos d’auto-psy et de pratique de l’artiste, peut-être intéressant, cet art press 2:

Images de l’art et de l’artiste

En 1934, les historiens Ernst Kris et Otto Kurz publiaient leur célèbre étude sur L’Image de l’artiste, tentative d’envisager, dans la Vienne du Docteur Freud, la manière dont se sont construits au fil du temps la légende et le mythe des artistes que nous admirons. Pour quelle part ce que nous savons de leur vie et de leur personnalité, forcément idéalisé et mêlé de fiction, participe à la perception de leur œuvre ?

Pollock par Namuth


Le sujet n’est-il pas encore plus pressant aujourd’hui ? Depuis Andy Warhol et Joseph Beuys, tous les artistes dont on dit qu’ils font de leur personne même et de leur mode de vie une œuvre d’art nous obligent à prendre en considération les documents, photographies et films, qui nous les révèlent. Regarderait-on Pollock de la même façon sans Namuth ? Et nous ne pourrions pas continuer de réfléchir à l’art de la performance sans les images documentaires, contrôlées ou non par les artistes, qui gardent la trace de leurs actions éphémères et qui exhibent leur corps. Ni l’historien ni le critique d’art n’ignorent ces innombrables sources visuelles,
périphériques de l’œuvre elle-même, d’autant que ce sont souvent les artistes qui entreprennent, à l’instar de Salvador Dalí ou de Jeff Koons, de se mettre en scène, de se « médiatiser ». Notre musée imaginaire, depuis celui d’André Malraux, inclut autant les reproductions que la mémoire des œuvres avec lesquelles nous avons été réellement en présence. Vues d’exposition, reportages dans les ateliers, interviews télévisuelles constituent désormais autant  que les textes une matière première.

Tel est l’immense chantier que ce numéro d’artpress2  tente pour la première fois de cerner.

Trimestriel n°24 – bilingue fçs/angl. – 148 pages – prix : 9,50 € – sortie : le 10 février 2012. 

Actuellement sur www.artpress.com

je ne suis plus abonnée à art press, j’irai donc voir à la bibliothèque.

est-ce que Ernst Kris, c’est l’homme au cervelles fraîches ?

bonjour !

véronique

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22/03/2012 à 11 h 47 min 52 s

Chère Dom,

Il y a eu Anne Lysy, qui a parle du « se faire un nom » de l’artiste, comme Joyce, qui n est pas le but de la fin d’analyse, puisque la jouissance n est pas nommable par un « tu es cela ». Du cote du symptôme, c est différent, c est composite, tout un « ,  suage », comme  » la coureuse ». Le courir ne change pas, mais il y a a faire autrement avec ça , avec ce reste opaque de jouissance inéliminable. De même pour la » désinvolture  » de Patricia Bosquin-Caroz, à partir de l’insupportable de la désinvolture maternelle, pris comme laisser tombé, elle fait de ce symptôme, de cette crainte permanente et donc de sa demande d’ amour insatiable ( la bouffeuse d’ émotion) un « enveloppement » dans ses relations et fonctions institutionnelle , comme un retournement ( une » involture » a dit Éric Laurent).

Il m a semble que dans ces deux cas, le symptôme persiste, mais prend une place meilleure dans les relations du sujet avec les autres.

Pour Sonia Chiriaco, ce sera le  » montrer-caché » au niveau de l’écriture.

Soirée passionnante. 

Bises a toi et a tous

Catherine

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22/03/2012 à 16 h 22 min 51 s

Dis-moi, Catherine, qu’as-tu voulu écrire à propos du symptôme : « c est composite, tout un « ,  suage » »..  j’essaie de deviner mais je n’y arrive pas…

Je vais essayer de réfléchir au « se faire un nom » de Joyce, ce que tu nous écris m’étonne, me heurte un peu…

Bises à toi et aux autres,

v

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22/03/2012 à 18 h 07 min 44 s

Chère Véronique,

« Savoir faire avec son symptôme »,

Un autre usage du symptôme peut apparaitre après l’extraction de l objet, donc après de la traversée du fantasme:

Composite, suage, sont des mots d’ Anne Lysy, pour dire que le symptôme, avec lequel il s agit de faire avec n’est pas aussi précis qu’un signifiant peut l’être. C est du corps aussi… courir, bouffer , du moins à ce que j’ai compris. 

Pour Joyce, c’est son nom qui a fait sinthome, nouage, son art étant celui d’ une écriture dont le caractère équivoque était sans limite ( a dit Éric Laurent)

Voilà un peu plus … 

Bises

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Café Psychanalyse du 13 avril sur « Jean Genet et la prison »

Café psychanalyse Jean Genêt et la prison

Chers amies et amis d’escapades,

Je vous invite à venir débattre avec Alain Merlet et Hervé Castanet sur le thème « Jean Genet et la prison » lors du prochain Café Psychanalyse qui se tiendra au Théâtre de Châtillon le vendredi 13 avril 2012 à partir de 20h30.

Vous y entendrez aussi le comédien Alain Gintzburger qui lira des textes de Genet au cours de la soirée (C’est lui qui avait déjà lu des textes de Robert Walser lors du Café Psychanalyse de janvier avec Philippe Lacadée).

Je vous mets en pièces jointes l’affiche et l’argument du Café Psychanalyse du 13 avril à diffuser largement autour de vous.

A bientôt le plaisir de vous accueillir pour ce moment convivial au Théâtre de Châtillon.

Bien à vous.

José Rambeau

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one more/nevermore

Paul Gauguin, Nervermore, 1897  Huile sur toile signée et datée en haut à gauche Nevermore/P Gauguin 970/O. Tahiti, 60,5 x 116 cm  Londres, Courtault Institute
Paul Gauguin, Nervermore, 1897

Puisque évidemment il y a addiction et addiction. Et que ce serait très intéressant de faire passer à l’addiction tout ce qui pour nous est important. Se servir de l’addiction pour jouer un tour à l’inhibition.

Pressentez-vous, comme moi, qu’il pourrait y avoir un lien entre addiction et  « nécessité » – « ce qui ne cesse pas de s’écrire »?

Amener l’addiction (jouissance de l’un, du one more) au service du désir (absence de l’autre, nevermore)

Le lien entre l’addiction à l’internet, aux ordinateurs, aux écrans, et « ce qui ne cesse pas de s’écrire » :

la prise dans l’écrit, le binaire, le programme, l’image.
« ce qui ne cesse pas de s’écrire » : fantasme du tout écrit (vie=livre)
« y a d’ l’un » opposé à « y a pas de rapport sexuel » (« ce qui ne cesse pas de ne pas s’écrire »)
« y a » opposé à « y a pas »

« Y a ce qui peut ne pas cesser de s’écrire / jouissance hors sens, écriture de l’un, écriture de n’importe quoi, et donc possibilité de l’écriture, et donc question du moment de l’advenue du sens, et donc intérêt de cette écriture, qui est écriture de jouissance, même si jouissance uniquement fantasmatique : tout s’écrirait, obsessionnelle: l’Autre ne manque de rien. »

Là et hors sens, ça s’écrit. 

Paradoxe – à quel moment le sens adviendrait-il ? Au moment où ça cesse de s’écrire. Quel est ce moment? C’est le moment où ça se donne à lire, par l’autre (séparation de l’objet : je te donne ceci, non pas ma chair, mon sang, ma vie, cet écrit, je te le donne, à lire). Dans la contingence. Au moment où ce qui « ne cesse pas de s’écrire » cesse de s’écrire, où le manque apparaît dans la lecture de l’autre, advient la possibilité du sens, pris ici comme moment hors jouissance, pris ici dans sa perte, comme place creusée du désir. Un passage de « l’a-pensée » à « l’a-livrée »..

love,

véronique

Liens :
. sur la peinture de Gauguin, http://www.aidart.fr/galerie-maitres/symbolisme/nevermore-gauguin-1897-1341.html
. le poème de Poe, traduit par Mallarmé et illustré par Manet :  http://fr.wikisource.org/wiki/Le_Corbeau_%28traduit_par_St%C3%A9phane_Mallarm%C3%A9%29

“ Bienvenue au XXIe siècle ” (éléments de lecture de l’art contemporain)

Cher Guy,

Comme je tombais sur ce site de  Guillaume Désange, critique d’art et commissaire d’exposition,  et en particulier sur cette page, intitulée « Soft Office : Fétichisme – Capitalisme – Art Contemporain« , où il est question de « tertiarisation » de l’art contemporain, je n’ai pu m’empêcher de penser à Mike Kelley, à propos de qui nous avions envoyés quelques mails sur la liste au moment de sa mort, que j’ai enfin, finalement, publiés à cette adresse : http://disparates.org/escapades/ennuyeux-mike-kelley-has-died/

N’hésite pas veux-tu à intervenir dans cette page si tu le souhaites,

Gros bisous,

Véronique

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